Si nos detenemos un poco a estudiar la historia del arte, no para mirar la obra de los artistas sino para conocer en lo posible como pintaban y con qué facilidades contaban, entenderemos el presente y no nos mortificará tanto:

La mayoría de artistas hasta el siglo XIX tenían el apoyo de grandes mecenas, el arte era un buen asunto, muchos ayudantes, materiales, comida y casa asegurada, mucho mimo y el tiempo que se necesitara para terminar la obra, ésta por lo general se hacía con varios pintores, unos pintaban fondos, otros  vegetación, ropajes, etc. Se dice que Rubens tenía  más de 100 pintores a su mando en algún momento,  en conclusión el taller de un maestro era un Imperio.

El artista de hoy pinta en solitario, ¿quién patrocina? Uno que otro Dealer y se dice que son muy escasos, (no conozco a ninguno de los que supuestamente existen).  Las empresa grandes, chicas, y los gobiernos en general patrocinan deporte, ciencia, en contados casos la música (los que tienen sinfónicas), rec reacionistas,  cuenteros,  habladores, etc. pero jamás artistas plásticos, no conozco al menos en mi país ningún pintor que tenga una mensualidad del estado o de la empresa pública o privada para vivir y que se pueda dedicar a pintar, unas y otros tienen algunas salas de exposición pero el artista que llega a ellas casi siempre lo hace con la condición de donar una obra para el supuesto museo de la misma, que buen negocio por 20 días de muestra y en pocos casos un catálogo de regular factura,  lo mismo ocurre con salones oficiales y privados donde los premios y menciones son de adquisición, nada es gratis para nosotros, lo único que nos queda de satisfacción y muy entre comillas podemos llamarla así, es que la obra es “libre” nadie la condiciona, ¿y es tan bueno eso?. Que cada uno se dé la respuesta después de leer lo que encontrarán más adelante.

Lo que si tenemos y hoy por hoy queremos negar es la facilidad de pintar, se pintaba con velas, se pintaba con modelos, se pintaba del natural, pero esos modelos se cansaban, un atardecer era fugaz y la mente no alcanzaba a retenerlo, hoy tenemos los momentos y la belleza que se da solo un segundo, en una fotografía, no solo la que a bien podamos tomar, sino la de tanta gente que estuvo en el lugar preciso, vio, sintió, y capturó ese momento mágico, lo enseña, ofrece, y nosotros interpretamos o reproducimos en nuestra obra.

Hay quería llegar: son tantos los burritos que dicen pintar como los antiguos, solo de la imaginación, dibujar y borronear mal para según ellos llamarse artistas verdaderos y no es así, todo lo que pueda facilitar la labor se traduce en estar en el siglo que se vive, ¿porque hacer un mal dibujo si existe la cuadricula? ¿Acaso no son legado de Leonardo, Velásquez y todos los clásicos?, ¿porque negamos la fotografía?  Una vez en el taller de un cretino que sabía que yo iba de visita me recibió con modelo empelota y tenía  el proyector escondido debajo de un asiento,  yo siempre supe con que trabajaba y él siempre lo negaba, la modelo que consiguió para mostrarme no era ni parecida al cuadro montado, otro tenia bodegón armado y se le estaba pudriendo, así mismo vemos en tanto foro y conversación negar el adelanto de la era.

Yo me pregunto: ¿porque no superamos la obra que se encuentra consagrada en los museos?, ¿Con tanta facilidad en materiales preparados y seguros con que contamos pinceles y lienzos especiales?

Porque no es decir y hacer,  !No Es Fácil!, No es para todo el mundo, no es querer y poder. Aparte de eso es un solo artista el que pinta y hay que agarrarse a los adelantos, a todo lo que nos brinde la ciencia y tecnología, yo por lo pronto en materia de pintura aunque tenga tantos años encima estoy tratando de entrar al mundo digital para elaborar mejor mi obra y sé que si logro terminar de entender y meter en mi vieja cabeza esta joven tecnología, creceré y mi obra también.

Los años que tengo y los de labor me permiten hablar a ustedes que son los jóvenes valores que empiezan en la lucha para que no se dejen llevar por la moda que maneja esas armas del facilismo, tan cómodas y convenientes para el que quiere  ”pintar” un cuadro en pocas horas y un cuadro lleva al menos 200 de labor.

Y muy pero muy en especial me dirijo a tanto artista natural que siguió otra profesión y en el ocaso de su vida aún quiere hacer y sobre todo dar, para eso nació, pero no sabe por dónde empezar, es el caso de tanto Cirujano, Arquitecto, Odontólogo etc, o mujeres especiales que la vida convirtió en amas de casa, personalmente siento que la edad para hacer arte es la madura y entre más madura mejor, el ser está completo y no creo que amerite más explicación esta condición de la vejez.

Hoy trabajo rodeada  de flores, en mi caballete de dos puestos o de doble faz como lo quieran llamar siempre hay dos obras en proceso. Este año de 2012 lo recibo con cuatro obras empezadas, con dos de ellas me permito explicar un poco más mi sistema de pintar.

Pinto de dos formas:

Por medio de veladuras o con color pleno en directo, en el siguiente cuadro estoy utilizando el sistema directo que consiste en dar la mancha sobre un fondo, en este caso muy oscuro como pueden apreciar en el detalle, la mancha sería el dibujo y la selección de color lo que es para mi la primera mano, posteriormente se aplica una segunda mano con el mayor detalle posible y una tercera o las que sean necesarias para el pulido de la obra, yo trabajo lo más complicado primero en dos o tres manos (en este caso la bolsa) y si veo que logro el objetivo me dedico con paciencia al resto de la obra, en caso contrario desecho el cuadro, se queda en boceto y al depósito del olvido.

Aclaro que a esta actualización de la Web en 2016 llevo 2 años de receso.

La veladura final de un cuadro es lo más importante del mismo pues es la que da la atmósfera y lo unifica, al mirar con cuidado las obras clásicas verÁn el color preferido de cada maestro para sus veladuras finales, una gran mayorÍa de pintores como Canaleto, uso turquesa y violeta que notarÁn poniendo mucha atenciÓn y percibirán que todo el cuadro tiene la atmósfera de ese tono superpuesta a los demás colores, Guardi un azul verdoso o turquesas, el Greco azules oscuros y hay rojos espectaculares en Velásquez, amarillos y verdes, también los encontramos en Murillo, Ticiano, y Goya, verán como retiraron de algunas partes del cuadro e intensificaron en otras la veladura, mirar mucho que solo así se aprende, recordar que en los ojos está el 90 % de lo que es llamado el don del pintor y las manos son el instrumento de ellos.

Para dar veladuras y selle final del cuadro tengo de siempre una formula que jamáscambiaré por ningún barniz y es agregar al aceite de linaza cera de abeja (blanca), a fuego lento dar una contextura gruesa pero que la extienda la brocha, esto lo sabemos enfriando unas gotas sobre una superficie fría, tener cuidado de revolver mucho al ir enfriando toda la mezcla para que se haga bien la crema que queda blanquecina, si se deja enfriar sola sin revolver no amalgama bien, demora en secar después de aplicarla pero deja un acabado mate muy hermoso, es de ensayar cada uno bajo su responsabilidad y sobre todo tener en cuenta que hay que hacer muchas pruebas y contar con darle tiempo, yo sello con dos capas de mi mezcla sin ningún color despues de que tengo seca la veladura final.

Color de la veladura:

Yo uso mucho la amarilla, alizarin y verde sapo, en la figura humana trabajo sobre tonos muy rosados y doy una veladura final con verde sapo, es espectacular el tono de piel que se logra, para hacer la veladura uso mi mezcla con un poco de color y la paso a todo el cuadro, muchos pintores usan diluir el color en aceite y pasar sobando mucho pero el aceite solo se chorrea por más que se retire el exceso y hay que dejar secar el cuadro sobre el piso, evitar le caigan polvo o motitas etc, por eso amo mi mezcla

Asi y todo este proceso es delicado y algunas veces hacemos daños pues se nos va la mano en la cantidad de color, si echamos poquito no hacemos nada, así que ensayar en una esquina y agregar color o mezcla hasta dar el tono ideal, después de seca hay que retocar claros y oscuros para hacer resaltes, o estando fresca ir con un pincel o trapo sacando un poco, se puede dar en todo o parte del cuadro, dar otra después en otro tono, probar y probar hasta manejarlas.

jamás he usado disolventes como la trementina o el aguarrás, uso el color como viene del tubo. Hace unos años ensayé los oleos diluibles en agua y hoy no los cambio por nada, no para diluir sino por su suavidad, corren que es una belleza y al difuminar y empatar tonos es que se nota la diferencia con el normal, uso el Artisan que es el nombre que les puso la Winsor y la Grumbacher los llama Max2.

Tengo siempre montados unos 6 cuadros que trabajo al tiempo y eso me permite dejar secar cada veladura, darle los días que requiera y también castigar al que no está saliendo bien, eso lo hago volteándolo y no volviendo a mirarlo por lo menos una semana, dos es mejor, cuando lo volteamos después de ese tiempo enseguida encontramos el problema y lo que no nos gustaba, que pasa, pasa, como anécdota una vez tenia un cuadro de una mano en perspectiva que había empezado con dibujo libre en formato grande casi terminado, yo sabia que algo estaba mal y me molestaba mucho por lo que lo tenia muy castigado, puedo decir que lo mostré en un espacio de 6 meses a 5 pintores buenos y les decía que algo estaba mal y que no iba a poder terminarlo, todos decían que lo veían bien, yo lo volvía a su rincón hasta que un día lo destapé y vi que era lo que me molestaba, tenia 6 dedos, de esas nos pasan cada rato o por lo menos a mi sí, y no me da pena decirlo, por eso es que la cuadrícula es bendita.

Hoy tengo computadora, me deleito mirando fotografías, bajando y dando gracias en mi mente al viajero que la tomó y sobre todo que nos la ofreció en la red, uso la pantalla con cuadrícula y puedo ampliar detalles, resolver color y elaborar la paleta sin errores, qué lujo el día de hoy que vivimos.

El siglo XXl nos inicia con la facilidad de poder hacer un boceto digital para elaborar un cuadro al óleo de carácter hiperrealista y es hasta el momento, según mi parecer, el más grande regalo que le han dado la ciencia y tecnología al arte.

Ya vimos como pintaron los antiguos y como pintan aún infinidad de artistas, también vimos que el utilizar recursos tan simples como la fotografía o el proyector es para algunos top secret y se convierte en algo así como una fórmula de alquimista que se niegan a enseñar hasta la muerte, cueste lo que les cueste.

El día de hoy con casi 60 años de trabajar con las técnicas que me fueron brindando las distintas décadas, digo lo mismo que decía en los años 60: Qué tristeza que Leonardo, Velásquez, Goya, etc. no contaron con la AYUDA DE LA FOTOGRAFÍA.

Ahora agrego: Qué tristeza que Dalí no alcanzó a trabajar con el ordenador.

Salvador Dalí a mi parecer fue el más grande de los últimos maestros que aprovechó hasta el máximo la fotografía, fue su obra la que me estimuló a usarla como la principal herramienta de trabajo e inspiración.

Qué tristeza siento por mí misma cuando pienso en los años que tengo y los que pasé sin conocer de este recurso, nuevo, muy nuevo para mí.

Los pintores del siglo XXl podemos minimizar con la ayuda de la tecnología digital la calamidad que se llama pomposamente arte moderno y que existe a mi parecer por lo errado de las escuelas recalcitrantes que exigieron extenuantes horas y horas de dibujo como ocurrió en mi caso, cuando ya no eran necesarias al existir la fotografía, que no se nos permitía ni siquiera nombrar.

Consecuencia: Las deserciones en masa que se evitaron con la tabla salvadora del "Arte Moderno" o "libre" inventada en medianía del siglo XX, con distintos profesores para las diferentes categorías o escuelas que nos fueron en mi tiempo embutidas a la fuerza sin tener nuestra aptitud nada que ver con ellas, los nombres de estas escuelas son conocidos de todos y muchas también se pueden beneficiar y benefician con la tecnología digital.

Son varios los programas que existen para dibujar y retoque fotográfico, en la red foros y páginas nos enseñan a manejarlos, con todos esos programas podemos hacer nuestro boceto sin dificultad, ¿qué ganamos

El sistema digital nos  brinda: Color ilimitado, intensidad lo mismo, borrador a discreción, la escala de los distintos elementos dentro de la composición se puede manipular sin restricciones, tiempo, mucho tiempo para mirar la obra y hacer las modificaciones que nuestro ánimo mande, mirar el efecto y poder echar atrás.

Diferencias con el sistema tradicional:

En el sistema tradicional el color no se puede controlar a satisfacción, es importante recordar que el color varía por efecto de la suma de los colores adyacentes y los del entorno, la intensidad del mismo se debe ir cambiando mano a mano para integrarlo a los demás, el borrar o reparar una línea o tamaño de un objeto que no nos agrade es casi la muerte de rabia o angustia del pintor, para evitarla elegimos la del cuadro. Puedo decir sin vergüenza que en la gran mayoría de mis obras siempre hay uno o más elementos que hubiera querido poder modificar.

Hoy quiero decir a ustedes que una de las mayores ganancias de la tecnología digital es poder tener desarrollados muchos bocetos que se aproximen a la obra final sin haberla pintado sobre un lienzo, que se puedan desarrollar varios temas y cuando nos enfrentamos al lienzo en blanco está la mente llena de seguridad en lo que vamos a plasmar, otra ganancia es mucho tiempo que podemos ahorrar, esas horas perdidas que se dedican a solucionar los problemas sobre el lienzo y que elimina el uso del ordenador son muchas.

Creo de corazón que para un futuro no lejano el espectador, amigo, o posible cliente de nuestra obra podrá ser al fin el equivalente al mecenas de la antigüedad; este alertaba, recomendaba o exigía del pintor completar algunos detalles que por cansancio, hastío o pereza deja pasar, o no quería pintar.

También se pueda como antes elaborar la obra que sueña para si quien no la pueda realizar, pero si pagar.

Podemos el día de hoy presentar a un cliente o a un galerista al que se le requiera algo en particular, un boceto virtual y él o ellos decidir los cambios que los llenen en composición y color, que nuestro cuadro sea de la entera satisfacción de quien lo adquiera debe ser el mayor deseo del artista y ahora lo podemos cumplir.

La satisfacción del comprador de nuestro cuadro debe ser igual a la que tuvieron los antiguos mecenas que muy comprometidos con su labor como nos cuenta la Historia del Arte Universal, encargaron y dirigieron con mucho amor toda las grandes obras que hoy admiramos, jamás decidieron solos la composición de sus obras Miguel Ángel, Leonardo, Rafael, Velásquez, Rubens, etc. antes de que el arte fuera la libre expresión de una sola persona, si se producían obras maestras.

Pinta el que puede pintar y no importa como

Con las manos, la boca o los pies si fuera necesario, (Casos hemos visto y con excelente obra en muchos), usando como pincel los dedos, servilletas, plumas, lo que interesa es el resultado. Cuando este está expuesto no importa como se hizo, este tema solo es competencia de los restauradores que sí se quiebran la cabeza cuando se enfrentan a cómo y con que se elaboró la obra maestra a recuperar, jamás afectó a la obra de arte cual fue el rostro, edad o tamaño en grosor o en alto de los maestros que nos legaron la obra inmortal, ni cuantos intervinieron con su maestría para que hoy la podamos contemplar.

El siglo XX rompió ese esquema milenario, el gran pecado de Dalí es que su ego no soportó ser relegado por su obra, todos tenemos en la retina esos enormes mostachos que opacan la maravilla que nos dejó lo que estaba atrás de ellos.

No es grande su pintura por ser de un hombre con mostachos, a nadie le importa que se ejecutara ayudado por otros pintores, es grande en su concepción, pero él sabía que no sería nada sin la labor, aún con sus mostachos, excentricidad y que su época mandara la línea y mancha como la gran revolución, no tragó cuento.

Ahí está la cuestión, puede una obra dejar a un lado el concepto si tiene labor. ¿Pero importa este cuando la labor está  ausente?. Si acaso para mirar de paso y es lo que ocurre con las ruidosas muestras del arte actual, que nadie quiere, son solo espuma.

Como todos desean asistir al espectáculo del cóctel, subsiste, lo cruel de la cuestión es que si en este se encuentra algún comprador se lo lleva a la trastienda a mostrarle el arte de los realistas y de su venta vive el galerista.

Quiero desde este artículo rebatir a los que pretenden demeritar a la pintura Hiperrealista, al fotorealismo o como quieran llamar la labor pictórica que usa la fotografía de modelo.

Ese bla, bla, bla, evidencia no saber lo que es tener un pincel en las manos y cuánto pesa al que no lo sabe usar, si alguno trató de reproducir una imagen con un pobre resultado todo lo que le queda es hacer manchas y despotricar contra la labor dispendiosa de los que tratamos de remedar con la mayor fidelidad que nos sea posible a la madre naturaleza en su infinita diversidad y escarmentar que:

¿Cómo? 

Como pintaron los antiguos, con un modelo.

¿Qué es una foto? Un modelo, que no se cansa, no altera el color al cambio de luz, no se pudre, la cuadrícula fue por siglos una herramienta y el ordenador es la más completa hasta el momento.

La diferencia entre una foto y un cuadro al óleo es tan grande como la la luz y la sombra. Gilda Mora

Para los que necesiten empezar de ceros en la red pueden ver: teoría del color

En este aparte me parece conveniente dar el color de piel que yo utilizo: es con ocre, alizarin y blanco, no uso verdes que muchos artistas incluyen en su paleta piel pues termino con la veladura verde sapo que he comentado. Para los que trabajen directo pueden agregar un poco de este tono.

Evitar en lo posible hacer mezclas con el azul de Prusia pues degenera con el tiempo como si oxidara los otros tonos y deja una coloración negruzca muy desagradable, pero con Prusia y alizarin se consigue un negro espectacular muy firme

la cuadrícula para los que no tengan facilidad de trabajar con ordenador:

De mi antiguo taller y del depósito del olvido desempolvé un cuadro empezado con cuadrícula.

En mi caballete el principio de un cuadro usando en la composición la Venus frígida de Rubens, ustedes alcanzan a notar en la imagen del detalle sobre el rojo la cuadrícula, yo dibujo con lápiz pastel y jamás con grafito pues este no se pierde y mancha el óleo, sobre todo al pasar los años sin importar cuantas capas tenga encima se sobrenada a todas.

Son tantas las personas que dicen como me gustaría pintar pero no se dibujar y este problema se solucionó hace muuuchooooos años, todos los clásicos la usaron y algunos tenían un gran cristal cuadriculado para interponer al modelo.

Pero hoy lo suplimos con la fotografía y el acetato.

Con sorpresa vemos que el siglo XX convirtió a esta herramienta en el súper, súper tabú de escuelas y maestros de arte. Se condenó y condena su uso ¿Por qué? Porque se quería masificar el arte y dar cabida a distintas expresiones.

Con seguir negando este recurso en las escuelas de arte se castran las futuras generaciones de artistas y los obliga a seguir las tendencias vanguardistas; se les niega el legado de los grandes maestros del Renacimiento. Se dice que Velásquez tenía su cuadrícula dibujada en un gigantesco cristal de roca y sus modelos colocados atrás de ella, lo mismo se dice de Goya.

Pueden encontrar en el Link de la siguiente imagen (ojo a la fecha en que fue inventada la ventana de Alberti), la información de que existieron aún más complicados artificios para perfeccionar el dibujo desde tiempos muy lejanos.

Es muy importante sacar en una fotocopiadora sobre acetato distintas cuadrículas de 0.5, 1, 1.5 centímetros. Se ponen estas cuadrículas en acetato arriba de las fotografías y sobre todo libros, así se preservan sin manchar las imágenes que queremos usar de base.

El paso siguiente es muy sencillo: Tenemos la más cómoda que es de 1 centímetro en el acetato y la colocamos sobre la imagen sujeta con ganchos o cinta, depende de lo que tengamos que proteger y contamos los cuadritos que ocupa la flor o figura que vamos a reproducir dentro del cuadro. El paso siguiente es definir sobre el lienzo el tamaño que va tener nuestro motivo, marcamos un cuadrado o rectángulo y tomamos la medida: la flor va a tener 60 X 70 centímetros dentro de un lienzo de 140 X100, tenemos pues la medida de 60 X70 que hemos decidido, con la cuadrícula de acetato sobre la foto ya tenemos contados los cuadritos y son 7 para dar un ejemplo, dividimos 60 por 7 y nos da 8.57 centímetros.

Marcamos con regla sobre el lienzo las líneas de guía cada 8.57 centímetros recordando usar lápiz pastel. Es grato usarlo pues podemos hacer la cuadrícula con un color e ir siguiendo el dibujo con otro para no confundirnos, para proteger este dibujo y no se nos borre por lo frágil del pastel, es bueno repintarlo con un poco de acuarela que seca rápido y va a recibir bien al óleo del tono de la flor o figura, después de seco con borrador quitar las líneas de cuadrícula por si tenemos que hacer otra. Un ejemplo serían las ramas y paisaje de fondo, o si usamos figura humana rodeada de objetos hacemos lo mismo con cada uno hasta completar el dibujo.

Espero haber sido clara. ¿El uso de proyector para mí? No me gusta para nada, mucho enredo y pobre resultado.

TRUQUITOS Y MATERIALES QUE ME HAN DEJADO LOS AÑOS DE LABOR

PARA CONSERVAR LOS ÓLEOS

Después de mezclar los colores que integran la paleta de un cuadro, procedo a envasar en jeringas, tengo algunas con más de 10 años y está mejor conservado el óleo que en el tubo original, pero lo más importante es que no importa cuánto tiempo tengamos el cuadro en receso, siempre que lo retomemos tenemos el color con el que estábamos trabajando si conservamos aparte las jeringas usadas en él.

Como ven en el cajón de mi caballete están alineadas las que estoy utilizando en el cuadro que está montado, cuando requiero dejarlo secar y descansar yo se las amarro al bastidor colgadas a uno de los tensores de la parte de atrás dentro de una bolsita de plástico.

Llenado de la jeringa: Fusione muy bien los colores y proceda a llenar, preparo unos 7 centímetros por color y me alcanza muy bien para los formatos medios en jeringas de 10 centímetros, para fondos es mejor tener jeringas de 20 centímetros y para pequeños formatos de 5 y menos

Tenga especial cuidado al entrar el émbolo pues debe hacerlo despacio para que el óleo vaya empujando y sacando el aire de la jeringa, proceda después a poner la aguja con su tapa que son las que sellan y sirve la aguja para retirar cualquier dureza que se forme en la punta de la jeringa que es por donde sale el óleo, podemos en ella encontrar un poco seco el óleo en el acceso de salida si se nos quedó mal ajustadas la aguja y tapa como nos ocurre con el tubo normal y pasó mucho tiempo sin usarlo, recomiendo las jeringas sin caucho en el émbolo, son mejores pues se pueden seguir llenando, las que tienen el caucho cuando se retira el émbolo se queda adentro y se tienen que desechar.

Cuando damos por terminado un cuadro los sobrantes de esa paleta se sacan de la jeringa y se mezclan con más color para dar los otros tonos del próximo cuadro.

Cuando los pinceles ya han aprendido a pintar y estamos bien enseñados con ellos se nos acaban, esto es aparente pues ellos tienen adentro el mismo largo del metal en pelo o fibra, lo que hay que hacer para volver a tener el pincel nuevo es cortar un poquito del metal, el corte se debe de hacer de acuerdo al largo que tengamos en el momento, si está muy corto empezar con 3 milímetros a ver cómo queda.

Con una sierra fina o una segueta pero martillando las puntitas para que no muerda tanto, hacer una línea sobre el metal pero sin llegar al pelo, ir segueteando alrededor de todo el pincel y que quede bien marcado para que sirva de guía al corte.

Tomar unas tijeritas viejas de cortar uñas o de las más pequeñas de cutícula hacer un corte hasta llegar a la marca de la segueta y después se tira con poca fuerza del metal y va desprendiendo parejo por la guía hecha con la segueta, que disfruten sus pinceles renovados como yo lo hago con los míos.

LA ESCULTURA

El modelado tradicional es con arcilla, esta presenta  grandes problemas: el secado tan rápido cuando estamos trabajando, la humedad constante en las manos y el agrietamiento tarde o temprano de la pieza.

Todos estos problemas los solucioné con una arcilla tipo plastilina que tiene la ventaja de que no endurece ni ablanda, siempre está igual en dureza a como la preparamos, las esculturas que ven en las imágenes pueden estar años como de hecho tengo algunas en este material y es muy fácil hacerlo, desgraciadamente no puedo dar formulas exactas pues cambian las materia primas y el gusto de cada uno, los materiales son:

Caolín en polvo del grano más fino que se encuentre o arcilla en polvo, es bueno ensayar con todos y comprar de a kilo para ver cuál es el que más nos sirve

Vaselina en pasta de la industrial, es muy barata, !OJO! tenga mucho cuidado, que sea  en pasta, la vaselina liquida no sirve .

Cera de abejas, yo compro una blanca que es la que mejor resultado me ha dado, mucho cuidado que no se confundan con la parafina pues esta no sirve, comprar de la cera por kilo para ensayar, aquí en Bogotá encontramos blanca y amarilla

Se derrite la cera con la vaselina a fuego manso, cuando ya estén líquidos los dos y mezclados se va agregando el caolín o la arcilla, yo uso más o menos 2 partes de vaselina por 1 de cera, el caolín se va agregando revolviendo siempre, cuando vemos que está tomando cuerpo sin retirar del fuego enfriamos bolitas pequeñas para probar la dureza y maleabilidad, cuando tenemos el punto que nos gusta vamos dejando enfriar toda la masa pero tratando de revolverla o amasarla muy bien cuando esta tibia y ya tienen la arcilla para toda la vida, si se le agregan colorantes de alimentos tienen un hermoso material para los jardines infantiles a muy bajo costo.

Para dar un gran pulido a la obra pueden usar varsol.

MODELADO DIRECTO EN RESINA

Yo trabajé muchísimas obras en directo con resina poliéster.

Se prepara la resina con el acelerante, se hace un colchón de caolín en el cual se hace un hueco donde se vacía la resina, de forma envolvente se le va mezclando el caolín con el colorante en polvo que deseemos, hacerlo suavemente y con las manos en contacto con el caolín pues sino la melcocha que se nos arma en las manos es horrible, se consigue una masa muy plástica pero pegachenta a lo que hay que acostumbrarse, cuando se tiene la bola de masa se van sacando poquitos y a ellos se le pone el endurecedor teniendo la bola protegida con caolín, plástico o papel encerado dura semanas sin fraguar.

Sobre un muñeco de papel que armo con periódico y cinta de enmascarar voy colocando rollitos y este es el resultado, mucha y bella textura, también sobre el interior de un molde de silicona o yeso, se van poniendo rollitos y presionando para evitar burbujas y se sacan piezas muy livianas pues se les da el grosor que nos parezca bien, pueden introducir alambre, tela, fique, fibras y lo que quieran para darle mayor resistencia. Gilda Mora

EL CABALLETE

Con tubo se hace una base y se hace un marco en ángulo aparte, a mí me dio mejor resultado el diseño triangular, se le sueldan unos tubos de un diámetro menor al que tiene la base, esto es para que entren en los de la base, se le solda un gato barato como el que ven, en la parte de arriba del gato está soldado otro tubo que manda la altura y fija base y marco con soportes al marco, tiene el tubo del gato además el fin de permitir colocar adentro un balín suelto y sobre este una varilla o tubo ciego que remata en una platina de unos 20 X20 centímetros donde se atornilla la tabla y tenemos así el torno para girar la obra

A las patas se les puede poner extensión de quitar y poner, un tubo con el diámetro de él del marco, por ejemplo de 30 centímetros, se le suelda varilla a 10 centímetros para que entre en la pata del caballete se contenga en la varilla y tenemos 20 más de alto, con un buen ornamentador pueden mejorar el diseño